Le but de ma photographie est de faire profiter le spectateur d’une expérience artistique visuellement stimulante. Une bonne photographie suscite la réflexion. Ce qu’une photographie stimule est plus important que ce qu’elle montre. Le but est de stimuler la curiosité, l’imagination, les pensées et les sentiments du spectateur. Évoquez une réponse émotionnelle.
Les images ressemblent à des conversations, notre image fait une déclaration et notre spectateur répond. La photographie qui ne nous stimule pas est une conversation sans issue, ennuyeuse et sans intérêt. Le spectateur peut ne pas « aimer » votre photo, mais elle doit le « stimuler ». Votre « objectif » est le plaisir de soi.
Ça y est, vous venez de casser votre tirelire pour acheter l’appareil photo de vos rêves. Débuter en photographie, c’est se poser beaucoup de questions sur la technique. Par moment se dire qu’on n’y arrivera jamais… Rassurez-vous, car vous êtes arrivés au bon moment et au bon endroit. Tout d’abord, cet article va vous donner quelques réponses ! Ensuite, il vous permettra de prendre confiance en vous, également de mieux connaître votre matériel photo. Enfin, vous allez progresser ! Faire de meilleures photos c’est surtout connaître et maîtriser les bases de la photographie avant de passer au niveau supérieur.
Une photographie de paysage réussie est souvent composée de plusieurs éléments qui se réunissent dans un équilibre harmonieux dans le cadre. Cela peut être assez complexe ou d’une simplicité trompeuse. Ce sont les thèmes de ce tutoriel. Vous êtes prêt ? On y va !
Débuter en photographie, c’est aussi apprendre à regarder. Le photographe choisit sa position par rapport au sujet afin de retranscrire ses sentiments face au sujet. Plus le point de vue s’éloigne et plus le photographe montre une certaine distance par rapport au sujet. Inversement, si le point de vue est proche du sujet, le photographe exprime une certaine intimité avec le sujet. Pensez à bouger, à changer de point de vue.
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En fonction de la focale choisie, le point de vue du photographe varie aussi et plus la focale est courte (grand angle), plus il va y avoir de profondeur de champ.
Lorsqu’on choisit de faire une photo, il y a une chose importante à considérer, c’est le cadrage. C’est l’une des bases de la mise en scène et l’un des aspects les plus essentiels quand on fait une image. Il représente et situe le sujet dans son environnement. Il met en valeur la place du sujet et son rapport avec le lieu où il se situe.
Débuter en photographie, c’est aussi se tromper. La règle des tiers est issue de la règle du nombre d’or, qui permet de déterminer la proportion idéale que prend le sujet dans l’image. Ce nombre d’or a permis d’établir des lignes imaginaires qui découpent l’image en trois parties horizontales et verticales égales. Ce sont les lignes de force qui composent la règle des tiers, très utilisée pour le cadrage d’une image ou d’une vidéo.
Si l’on cadre son sujet au centre de l’image, cela provoquera une symétrie trop évidente et donc ennuyeuse. La photo risque de manquer de dynamisme et d’intérêt. Il est alors préférable de cadrer le sujet au tiers de son viseur pour dynamiser l’image. Ces lignes qui divisent l’image se rencontrent en 4 points au centre du visuel, qui constituent les points forts de l’image. Il est donc important de placer dans ces zones des détails et des éléments dominants du sujet et de l’image.
Débuter en photographie, c’est apprendre à regarder et à proposer votre regard sur vos photos. Certaines études scientifiques ont montré que nous avions tous le même cheminement visuel lorsque nous observons une image. Ce cheminement est déterminé en fonction de notre culture. En Occident, l’œil humain lit une image de haut en bas et de gauche à droite, c’est le cheminement en « Z ». Ce balayage de gauche à droite explique pourquoi une photographie avec des dominantes horizontales paraît plus reposante pour l’œil.
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Il y a les points forts ou le centre de l’image. Mais, il peut également être attiré par les zones avec les plus grandes formes. Ou bien les zones qui paraissent les plus proches dans l’image.
Débuter en photographie, c’est aussi comprendre la composition d’une image. Pour qu’une photo paraisse agréable et harmonieuse, elle doit être composée pour équilibrer les différentes masses et les volumes présents dans l’image. Ainsi, les masses plus grandes attirent plus facilement l’attention que les plus petites. Il y a aussi la couleur de ces masses qui entre en compte, la distance qui sépare deux masses entre elles et leur positionnement les unes par rapport aux autres.
Ici, on peut constater que les éléments cruciaux du sujet se trouvent à proximité des points forts de l’image. Les masses sont en équilibre, la roche occupe la diagonale gauche et le ciel et la mer occupent la diagonale droite. La zone très contrastée et « sombre » des rochers s’équilibre avec la zone plus claire et plus estompée à droite. Les teintes sont en équilibre. Il est important que cette dominante bleue prenne plus d’espace que la montagne. En effet, l’œil est automatiquement attiré en premier par le personnage représenté dans le décor. Dans le cas d’un portrait (visage), l’œil sera automatiquement attiré par le regard du modèle représenté.
La sensibilité se détermine en ISO. C’est l’échelle qui mesure la sensibilité des surfaces où est envoyée la lumière lors de la prise de vue (capteur en numérique et film en argentique). Plus cette valeur est élevée (ex : 3 200 ISO), plus l’appareil est sensible à la lumière. Il n’y a donc pas besoin d’une très grande quantité de lumière pour avoir une exposition correcte. Essayez toujours de travailler avec la sensibilité la plus basse possible afin d’éviter le grain sur vos photos. A l’inverse, si cette valeur est basse (ex : 100 ISO), il faudra une très grande luminosité pour obtenir une image bien exposée.
Une image bien exposée est une image qui montre un maximum de détails à la fois dans les hautes et dans les basses lumières. Lorsque la lumière entre dans l’appareil, celle-ci passe au travers de plusieurs lentilles, séparées par le diaphragme. C’est donc en variant l’ouverture du diaphragme que l’on va laisser entrer plus ou moins de lumière sur le film ou le capteur.
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L’ouverture du diaphragme va être déterminante pour l’exposition d’une image, mais également pour sa profondeur de champ. Inversement, plus l’ouverture sera grande et moins, il y aura de profondeur de champs dans l’image (à focale constante). Sur un appareil, c’est par des chiffres à l’avant du boitier : 1 - 1.4 - 2 - 2.8 - 4 - 5.6 - 8 - 11 - 16 - 22 - 32 - 64. Plus ce chiffre augmente (11-16-22-32), plus l’ouverture du diaphragme se réduit et moins la lumière entre.
La focale d’un objectif va déterminer le grossissement de l’image. Plus la focale est grande, plus on peut zoomer et ainsi accrocher des détails d’un sujet. Cependant, le choix de cette focale peut entrainer des déformations de l’image. En effet, des grandes focales ont tendances à ramener tous les éléments du premier plan et de l’arrière-plan au même niveau. Ce qui a tendance à rapprocher ces éléments et donc enlever du relief et du volume à l’image.
Ou temps de pose. Elle détermine donc le temps pendant lequel le capteur ou le film est exposé à la lumière qui entre dans l’objectif. Ce temps de pose est contrôlé grâce à l’obturateur et exprimé en secondes. Avec une sensibilité et une ouverture constante, plus la vitesse est rapide, moins la lumière entre. Et de ce fait, plus la vitesse est lente, plus la lumière entre.
La vitesse d’obturation permet donc de gérer l’exposition du film ou du capteur. Elle permet également de contrôler la représentation du mouvement dans l’image. En effet, plus la vitesse est rapide, plus le mouvement de l’image parait figé et stable. Attention à vitesse lente, il est parfois très difficile de stabiliser l’appareil et ainsi d’avoir un rendu correct.
Débuter en photographie, c’est avoir entendu parler de la profondeur de champ sans comprendre le principe. C’est pourtant un élément déterminant de l’image. C’est la distance qui sépare le premier et le dernier plan nets de l’image. Elle permet donc de cibler quelles zones de l’image apparaitront nettes et quelles zones seront floues. Ainsi, si l’on garde la même ouverture et la même focale, plus la distance entre le sujet et le photographe sera grande, plus il y aura de profondeur de champ.
Plus on réduit l’ouverture et plus il y a de profondeur de champ. Enfin, avec la même ouverture et la même distance, plus la focale est grande, moins il y a de profondeur, et inversement. Pour un portrait, si on utilise une petite focale (28mm), il faut se rapprocher très près du sujet pour avoir une bonne profondeur. Ce qui entrainera des déformations de l’image. Utilisez des focales moyennes (entre 50 et 135mm) pour réaliser des portraits avec une profondeur de champ intéressante et une ouverture moyenne. Pour un paysage, le choix d’une grande focale ne permet pas d’avoir un champ de vision et une profondeur de champ très importants. Il faut considérablement réduire l’ouverture pour obtenir une profondeur de champ correcte.. Utilisez de préférence un grand angle tournant autour de 24mm. Choisir une petite focale qui élargira le champ de vision et augmentera la profondeur de champ, à ouverture moyenne.
Une fois tous ces paramètres considérés, le photographe peut alors choisir la netteté qu’il souhaite attribuer à son image et ainsi mettre en avant certains éléments du sujet. Il va alors pouvoir déterminer vers quelles zones et vers quels détails orienter le lecteur, en créant un avant-plan et un arrière-plan par exemple.
Le contraste d’une image correspond à la différence de densité qu’il existe entre les teintes les plus claires et les teintes les plus sombres. Une image bien contrastée est donc une image qui présente le plus de teintes intermédiaires proches du noir et du blanc. Il est alors indispensable au photographe de bien paramétrer l’exposition de son appareil avant la prise de vue afin de restituer un maximum de contrastes et de détails.
Le contraste d’une image dépend principalement de la quantité de lumière présente en prise de vue ainsi que de son orientation. Notre positionnement par rapport à la source lumineuse est indispensable à de bons contrastes et de belles teintes. Le choix des contrastes permet au photographe de dynamiser l’image, d’améliorer le rendu et d’accentuer le message qu’il souhaite transmettre. Débuter en photographie, c’est aussi faire doucement sur la pédale ! Il ne faut pas trop dynamiser l’image avec des contrastes trop forts, car cela entraine souvent des couleurs saturées et des contours qui bavent. Ce qui nuit considérablement à la qualité du visuel.
Aucune de ces règles ne constitue une véritable règle à suivre ; en vérité, enfreindre les règles est bien plus amusant. Mais comment les briser si vous ne les connaissez pas ? Les règles de composition photographique sont là pour apprendre et comprendre la raison pour laquelle une photo passe d’un instantané à une photographie qui suscite l’intérêt et dont on peut être fier. Il s’agit d’expérimenter et de pratiquer pour trouver un style unique qui vous distingue.
| Paramètre | Description | Impact |
|---|---|---|
| ISO | Sensibilité du capteur à la lumière | Contrôle du bruit et de la luminosité |
| Ouverture | Taille de l'ouverture du diaphragme | Contrôle de la profondeur de champ et de la luminosité |
| Focale | Distance focale de l'objectif | Détermine le grossissement et la perspective |
| Vitesse | Durée d'exposition du capteur | Contrôle du mouvement et de la luminosité |
| Cadrage | Manière de positionner le sujet dans le cadre | Influence sur l'équilibre et l'harmonie de l'image |
| Contraste | Différence entre les teintes claires et sombres | Dynamise l'image et accentue le message |
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